sábado, 30 de agosto de 2008
viernes, 22 de agosto de 2008
miércoles, 20 de agosto de 2008
Expresionismo
En torno a 1860 los artistas comenzaron a preocuparse por la propia naturaleza material de la pintura, Manet utilizó manchas de colores planos, contorneadas mediante una pincelada suelta, otros artistas, en especial, Pisarro, Monet, Rendir, se interesaron por representar los efectos de luz sobre los objetos, más que reproducir las texturas auténticas de las cosas, los impresionistas. Avanzando el siglo el postimpresionismo evolucionó hacia un nuevo estilo: Seurat cambió la soltura de la pincelada impresionista por la precisión científica de los puntos yuxtapuestos de colores complementarios, creando un estilo conocido como puntillismo; Gauguin exageró las formas y empleó el color de manera arbitraria, con un valor decorativo y simbólico, en una dirección calificada como primitivista; y las distorsiones expresionistas de línea y color en la obra de Van Gogh ejercieron una gran influencia en Munich y en los expresionistas alemanes.
El común denominador de todos estos artistas de finales del siglo XIX fue una menor preocupación por el realismo y por la aproximación fiel a la naturaleza, y un mayor interés por las intenciones expresivas.
Esta revolución estética sobre los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX; trajo consigo una sucesión de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta duración y la mayoría centrados en la búsqueda de nuevas direcciones y principios innovadores. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el expresionismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el pop art.
Luego de haber hecho una breve introducción de cómo se fueron dando los diferentas estilos y movimientos del siglo XX, me propongo tomar como tema principal: el expresionismo. Haciendo un repaso por lo que este movimiento significó, junto a los dos grupos más destacados del movimiento expresionista; uno de ellos conocido como Die Brüke (el puente), el otro, conocido como Der Blaue Reiter (el jinete azul). Tomando así a uno de los artistas más destacados que perteneció a “el jinete azul” Wassily Kandinsky.
El expresionismo nace en Alemania a principios del siglo XX; se lo entiende como una deformación de la realidad para conseguir expresar los valores que se pretende poner en evidencia. Fue un movimiento que se oponía a la fiel representación de la naturaleza y se empeñaba en cambio en la comunicación de tensión y emociones como propósito primordial del arte. Lo fundamental para algunos artistas no era reflejar el mundo de manera realista y fiel, sino sobre todo, romper las formas. Lo primordial era transmitir emociones y sentimientos, reflejando los problemas de esos tiempos y las angustias del hombre mediante la fuerza expresiva de los colores, la textura y la línea.
La intuición de dar un sentido psicológico y simbólico a sus obras llevo a los aristas de ese movimiento a sacrificar cualquier tipo de orden y equilibrio, así como a utilizar línea, forma y color por sus posibilidades expresivas y no como medios simplemente interactivos.
El expresionismo alemán fue un movimiento que afectó a todas las esferas de la creación, arte, literatura, cine, música, siendo en el campo de la narrativa donde alcanzó un grado importante de compromiso.
En la evolución de la pintura expresionista alemana existen dos grupos importantes. El primero se desarrolla en Dresde en 1905 con el nombre Die Brüke (el puente) y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich en 1910 con el nombre Der Blaue Reiter (el jinete azul) y dura hasta 1914.
Los principales miembros que constituían Die Brüke (el puente) fueron, Kirchner y sus amigos Heckel, Bleyl, Schmist – Rottluff y más tarde, Nolde y Pechstein.
La intención del grupo era atraer a todo elemento revolucionario que quisiera unirse; su mayor interés era destruir las viejas convenciones. No les era de interés poner reglas, la inspiración para ellos debía fluir libre y dar expresión inmediata a las presiones emocionales del artista; para ellos el contenido era más importante que la forma.
El nombre simbolizaba el puente de intereses comunes que les unía, así como su conexión con el futuro. La mayor parte de los integrantes de Die Brüke (el puente) no tenían formación artística, pero la intensidad de los colores y la distorsión de las formas lograban expresar su apasionamiento y riqueza imaginativa.
Por otro lado en Munich se formaba el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul), los miembros principales fueron los rusos Kandinsky y Jawlensky, los alemanes Marc y Macke y el suizo Klee.
El nombre de este grupo fue tomado de un cuadro de Kandinsky titulado Der Blaue Reiter y de un almanaque que contenía varios ensayos sobre pintura y música contemporáneas. Esta publicación y el libro de Kandinsky, De lo espiritual en el arte fueron los dos textos teóricos fundamentales del grupo.
Al igual que Die Brüke (el puente), rechazaban toda convención y buscaban la expresión individual, pero su orientación era internacionalista y no existía homogeneidad de estilos. Pero a diferencia de éste, los artistas de Der Blaue Reiter (el jinete azul) sentían la necesidad de modular un lenguaje más controlado para emitir sus mensajes. Desarrollaron un arte espiritual, en el que redujeron el naturalismo hasta llegar a la abstracción. Tendían más a una purificación de los instintos y lo que querían era captar la esencia espiritual de la realidad.
En mi opinión ambos grupos tenían como propósito expresar todo aquello que poco tenía que ver con lo que uno veía a simple vista. Die Brüke (el puente) se volcaba más a las emociones y Der Blaue Reiter (el jinete azul) se inclinaba más a lo espiritual.
Después de haber investigado alguna de las obras de los integrantes de cada grupo, mi interés se centró en las obras de Kandinsky; cómo el artista fue pasando por diferentes etapas, su relación con la música, hasta llegar a la abstracción.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción lo sitúan entre los innovadores más importantes del arte contemporáneo.
Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, después de un viaje que realizó a París quedó impresionado por la obra de los fauvistas y postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre.
Más adelante comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras abstractas dentro del arte moderno; no hacía referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje musical.
Durante el período que estuvo en el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul), realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas por el brillante colorido y la complejidad del dibujo. La idea del grupo era mostrar las múltiples formas en las que el artista puede expresarse. Kandinsky y sus compañeros pensaban en una curación a través del arte, un arte nuevo, limpio, espiritual que surgía de algunas expresiones artísticas.
Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. Publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción. En él se explica la función del arte, según el artista, y cómo el hombre se encuentra atrapado en una concepción materialista, positivista, del mundo que lo angustia, por lo que debe adoptar una nueva actitud espiritual que lo libere.
Su pintura fue pasando del expresionismo a la abstracción; algunos de sus cuadros alcanzan un equilibrio, con armonía cromática, que son como un descanso.
Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy marcados y diseños claros.
Cuando se instala en París, comienza a combinar colores hasta entonces no vistos, colores pálidos y en ocasiones transparentes, lejos de aquellos contrastes que tenía acostumbrado, abandona las formas puramente geométricas.
Kandinsky llamaba al “arte abstracto”, “arte concreto”, para él la pintura abstracta crea, junto al mundo “real”, un mundo nuevo que exteriormente tiene nada que ver con la “realidad”. En su interior está sujeto a las leyes del cosmos. Al lado del mundo “natural” aparece uno “artístico”, igualmente real y concreto.
En las obras del artista tuvo vital importancia la música. Para él, el arte en general poseía y podía desarrollar las mismas fuerzas que la música.
En un fragmento De lo espiritual en el arte, decía que la enseñanza más rica proviene de la música. La música es el arte que utiliza sus medios no para representar fenómenos de la naturales, sino para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia de tonos musicales.
Kandinsky era un místico y anhelaba la regeneración del mundo mediante un nuevo arte de pura interioridad. Destacaba los efectos causan los colores puros, un rojo brillante, por ejemplo, puede producir el mismo efecto que un toque de clarín. Su convicción de que era posible y necesario llegar a una comunión entre los espíritus lo alentó a exponer sus primeras tentativas de música cromática, que fueron las que iniciaron lo que se conoce por arte abstracto.
En lo personal no puedo afirmar que las obras de Kandinsky sean fáciles de comprender, aún así, después de haber leído sobre el artista. Pero por otro lado el juego de colores y formas y su capacidad de introducir en sus obras la música, me atraparon. Creo que vale el esfuerzo el mirar con “otros ojos” y llegar a emocionarnos.
BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA
§ Gombrich, Ernst H. – Historia del arte. Decimoquinta edición revisada y ampliada, ALIANZA EDITORIAL.
§ Material de apoyo (IENBA), Seminario de las estéticas – Expresionismo
§ Microsoft Encarta – 2007
§ es.wikipedia.org
§ www.biografíasyvidas.com
El común denominador de todos estos artistas de finales del siglo XIX fue una menor preocupación por el realismo y por la aproximación fiel a la naturaleza, y un mayor interés por las intenciones expresivas.
Esta revolución estética sobre los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX; trajo consigo una sucesión de estilos y movimientos, muchos de ellos de corta duración y la mayoría centrados en la búsqueda de nuevas direcciones y principios innovadores. Los movimientos más destacados fueron, entre otros, el fauvismo, el expresionismo, el dadaísmo, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el pop art.
Luego de haber hecho una breve introducción de cómo se fueron dando los diferentas estilos y movimientos del siglo XX, me propongo tomar como tema principal: el expresionismo. Haciendo un repaso por lo que este movimiento significó, junto a los dos grupos más destacados del movimiento expresionista; uno de ellos conocido como Die Brüke (el puente), el otro, conocido como Der Blaue Reiter (el jinete azul). Tomando así a uno de los artistas más destacados que perteneció a “el jinete azul” Wassily Kandinsky.
El expresionismo nace en Alemania a principios del siglo XX; se lo entiende como una deformación de la realidad para conseguir expresar los valores que se pretende poner en evidencia. Fue un movimiento que se oponía a la fiel representación de la naturaleza y se empeñaba en cambio en la comunicación de tensión y emociones como propósito primordial del arte. Lo fundamental para algunos artistas no era reflejar el mundo de manera realista y fiel, sino sobre todo, romper las formas. Lo primordial era transmitir emociones y sentimientos, reflejando los problemas de esos tiempos y las angustias del hombre mediante la fuerza expresiva de los colores, la textura y la línea.
La intuición de dar un sentido psicológico y simbólico a sus obras llevo a los aristas de ese movimiento a sacrificar cualquier tipo de orden y equilibrio, así como a utilizar línea, forma y color por sus posibilidades expresivas y no como medios simplemente interactivos.
El expresionismo alemán fue un movimiento que afectó a todas las esferas de la creación, arte, literatura, cine, música, siendo en el campo de la narrativa donde alcanzó un grado importante de compromiso.
En la evolución de la pintura expresionista alemana existen dos grupos importantes. El primero se desarrolla en Dresde en 1905 con el nombre Die Brüke (el puente) y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich en 1910 con el nombre Der Blaue Reiter (el jinete azul) y dura hasta 1914.
Los principales miembros que constituían Die Brüke (el puente) fueron, Kirchner y sus amigos Heckel, Bleyl, Schmist – Rottluff y más tarde, Nolde y Pechstein.
La intención del grupo era atraer a todo elemento revolucionario que quisiera unirse; su mayor interés era destruir las viejas convenciones. No les era de interés poner reglas, la inspiración para ellos debía fluir libre y dar expresión inmediata a las presiones emocionales del artista; para ellos el contenido era más importante que la forma.
El nombre simbolizaba el puente de intereses comunes que les unía, así como su conexión con el futuro. La mayor parte de los integrantes de Die Brüke (el puente) no tenían formación artística, pero la intensidad de los colores y la distorsión de las formas lograban expresar su apasionamiento y riqueza imaginativa.
Por otro lado en Munich se formaba el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul), los miembros principales fueron los rusos Kandinsky y Jawlensky, los alemanes Marc y Macke y el suizo Klee.
El nombre de este grupo fue tomado de un cuadro de Kandinsky titulado Der Blaue Reiter y de un almanaque que contenía varios ensayos sobre pintura y música contemporáneas. Esta publicación y el libro de Kandinsky, De lo espiritual en el arte fueron los dos textos teóricos fundamentales del grupo.
Al igual que Die Brüke (el puente), rechazaban toda convención y buscaban la expresión individual, pero su orientación era internacionalista y no existía homogeneidad de estilos. Pero a diferencia de éste, los artistas de Der Blaue Reiter (el jinete azul) sentían la necesidad de modular un lenguaje más controlado para emitir sus mensajes. Desarrollaron un arte espiritual, en el que redujeron el naturalismo hasta llegar a la abstracción. Tendían más a una purificación de los instintos y lo que querían era captar la esencia espiritual de la realidad.
En mi opinión ambos grupos tenían como propósito expresar todo aquello que poco tenía que ver con lo que uno veía a simple vista. Die Brüke (el puente) se volcaba más a las emociones y Der Blaue Reiter (el jinete azul) se inclinaba más a lo espiritual.
Después de haber investigado alguna de las obras de los integrantes de cada grupo, mi interés se centró en las obras de Kandinsky; cómo el artista fue pasando por diferentes etapas, su relación con la música, hasta llegar a la abstracción.
Wassily Kandinsky fue un pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción lo sitúan entre los innovadores más importantes del arte contemporáneo.
Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, después de un viaje que realizó a París quedó impresionado por la obra de los fauvistas y postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre.
Más adelante comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras abstractas dentro del arte moderno; no hacía referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje musical.
Durante el período que estuvo en el grupo Der Blaue Reiter (el jinete azul), realizó tanto obras abstractas como figurativas, caracterizadas por el brillante colorido y la complejidad del dibujo. La idea del grupo era mostrar las múltiples formas en las que el artista puede expresarse. Kandinsky y sus compañeros pensaban en una curación a través del arte, un arte nuevo, limpio, espiritual que surgía de algunas expresiones artísticas.
Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor. Publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción. En él se explica la función del arte, según el artista, y cómo el hombre se encuentra atrapado en una concepción materialista, positivista, del mundo que lo angustia, por lo que debe adoptar una nueva actitud espiritual que lo libere.
Su pintura fue pasando del expresionismo a la abstracción; algunos de sus cuadros alcanzan un equilibrio, con armonía cromática, que son como un descanso.
Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy marcados y diseños claros.
Cuando se instala en París, comienza a combinar colores hasta entonces no vistos, colores pálidos y en ocasiones transparentes, lejos de aquellos contrastes que tenía acostumbrado, abandona las formas puramente geométricas.
Kandinsky llamaba al “arte abstracto”, “arte concreto”, para él la pintura abstracta crea, junto al mundo “real”, un mundo nuevo que exteriormente tiene nada que ver con la “realidad”. En su interior está sujeto a las leyes del cosmos. Al lado del mundo “natural” aparece uno “artístico”, igualmente real y concreto.
En las obras del artista tuvo vital importancia la música. Para él, el arte en general poseía y podía desarrollar las mismas fuerzas que la música.
En un fragmento De lo espiritual en el arte, decía que la enseñanza más rica proviene de la música. La música es el arte que utiliza sus medios no para representar fenómenos de la naturales, sino para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia de tonos musicales.
Kandinsky era un místico y anhelaba la regeneración del mundo mediante un nuevo arte de pura interioridad. Destacaba los efectos causan los colores puros, un rojo brillante, por ejemplo, puede producir el mismo efecto que un toque de clarín. Su convicción de que era posible y necesario llegar a una comunión entre los espíritus lo alentó a exponer sus primeras tentativas de música cromática, que fueron las que iniciaron lo que se conoce por arte abstracto.
En lo personal no puedo afirmar que las obras de Kandinsky sean fáciles de comprender, aún así, después de haber leído sobre el artista. Pero por otro lado el juego de colores y formas y su capacidad de introducir en sus obras la música, me atraparon. Creo que vale el esfuerzo el mirar con “otros ojos” y llegar a emocionarnos.
BIBLIOGRAFÍA CONSULTADA
§ Gombrich, Ernst H. – Historia del arte. Decimoquinta edición revisada y ampliada, ALIANZA EDITORIAL.
§ Material de apoyo (IENBA), Seminario de las estéticas – Expresionismo
§ Microsoft Encarta – 2007
§ es.wikipedia.org
§ www.biografíasyvidas.com
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